PRESSEINFORMATIONEN

KUNSTHALLE MÜNSTER
DIE LIEBE ZU DEN DINGEN

Eröffnung:	Freitag, 22. November 2013, 19.30 Uhr
Begrüßung:	Holger Wigger, Bürgermeister
		Gail B. Kirkpatrick, Kunsthalle Münster
Einführung:	Julia Wirxel, Kuratorin
Künstlerische Positionen: Wiebke Bartsch, Alexandra Bircken, Karla Black, Kristina Bræin, Sylvie Fleury, Andreas Gloël, Surasi Kusolwong, Al Masson, Roman Signer, Florian Slotawa, Erwin Wurm und Haegue Yang

Rund 10.000 Dinge besitzt jeder Mensch in der westlichen Welt. Eine unvorstellbare Menge! Seit Anbeginn geht mit der Entwicklung der modernen Industriegesellschaft ein Gefühl des Unbehagens einher, das vor allem kulturkritische Beobachter – von Karl Marx und Sigmund Freud bis Zygmunt Bauman und Charles Taylor – immer wieder formuliert und analysiert haben. So werden beispielsweise Entwicklungen wie die industrielle (Massen-)Produktion von Waren und die Möglichkeit ihres Konsums für alle nicht nur als wesentliche Errungenschaften gefeiert, sondern auch als kulturell bedrohlich gewertet. 

Im Jahr 2008 verlieh der britische Anthropologe Daniel Miller in seinem Buch The Comfort of Things dieser kritischen Haltung gegenüber den Dingen eine interessante Wendung. Über die Beziehung zu den Dingen gewinnt er Erkenntnisse über die Beziehung der Menschen zu sich selbst und zu anderen Menschen, und er zeigt auf, wie sich Dinge positiv auf unser Leben auswirken können. Miller sieht in der je spezifischen Anordnung der Dinge in den Wohnungen der Menschen, die er in seiner Feldstudie besucht hat, eine kosmologische Ordnung gespiegelt. Auch in den Kunst- und Kulturwissenschaften und der Amerikanistik wird das Areal um die „Dinge“ des Alltags in den Thing Studies und Material Culture Studies seit einiger Zeit so positiv gewendet, wie es Philosophen wie Walter Benjamin, Michel de Certeau, Jean Améry oder Hannah Arendt in ihren Schriften schon früher formuliert haben. 
Die Ausstellung Die Liebe zu den Dingen versammelt vorwiegend installative Arbeiten, in denen sich eine grundsätzlich positive Haltung gegenüber Dingen widerspiegelt. Die Künstlerinnen und Künstler der Ausstellung nehmen Fragmente des Alltags, der urbanen Umgebung oder vertraute Objekte und stellen sie in einen neuen Kontext. So lassen sie neue Wege entstehen, Dinge wahrzunehmen und Relationen sichtbar zu machen – sowohl für die sinnlich visuelle als auch die intellektuelle Reflektion. 
Die Gruppenausstellung verwickelt den Besucher in ein subtiles, mitunter ironisches Frage- und Antwortspiel: Hegen die Künstlerinnen und Künstler dabei Vorlieben für bestimmte Dinge? Folgen sie in ihrer Anordnung einer bestimmten Ästhetik? Und wie nimmt der Betrachter diese wahr? Wie gelingt die Bildung von Identifikation über die Funktion und die „Sprache“ des Gegenstands? Welche Rolle spielt in diesem Kontext die „Oberfläche“ der Dinge? Welche Informationen gibt die Beschaffenheit der Oberfläche zur inhaltlichen Bedeutung des Gegenstands preis? Wie sehen die wechselseitigen Beziehungen der verschiedenen Ebenen aus? Gemeinhin vermutete man hinter und unter der Oberfläche eine zu enthüllende Tiefe und somit „die wahre Bedeutung“ der Dinge und Körper. Wurde die Oberfläche aus diesen Gründen lange Zeit gering geschätzt und übersehen? 
Ob auf zurückgenommene, beobachtende, spielerische, ironische oder bitterböse Weise, immer handelt es sich um einen unkonventionellen und deshalb unerwarteten Zugang zu Dingen, Phänomenen und Beziehungen. 

Wiebke Bartsch
*1968 in Braunschweig, lebt in Münster
„aus manchen fehlern sollte man nie lernen“, 2013 

Die Installationen und Objekte von Wiebke Bartsch haben immer einen Bezug zum (häuslichen) Alltag. Man geht auf Entdeckungsreise und staunt über die bunten, oftmals aus textilen Materialien erzeugten verspielten Objekte und prallen Körperteile, und freut sich über die surreal-grotesken Formen und ihre phantasievolle Inszenierung. Doch schon im nächsten Moment kippt die Wahrnehmung, und man wird mit fremden und eigenen Ängsten, Abgründen, Aggressionen, Gewalt, Träumen und auch heimlichen Begierden konfrontiert. Das Vertraute, Heimelige, Heimliche (siehe Sigmund Freud) erscheint als unheimlich, im Alltag lauert etwas anderes. 
So ist es auch bei der neuesten Arbeit, die für die Ausstellung Die Liebe zu den Dingen entstanden ist. Die Künstlerin „belebt“ einen reichverzierten Vitrinenschrank, den sie in einem Secondhand-Möbelmarkt entdeckte, mit Einmachgläsern voll gefüllt mit rätselhaften Objekten; auf der Rückseite führt der Schrank sein merkwürdiges Eigenleben in Gestalt von textilen Brüsten fort, die aus ihm zu wachsen scheinen. An der Seite stehen stilisierte Laubbäume mit Weihnachtsbaumständern als Füße und bilden quasi einen Wald, in dem sich eine märchenhafte Figur aufhält. Aber was meint nun der Titel „aus manchen fehlern sollte man nie lernen“? Und an wen richtet sich die Bemerkung?
Die Figuren und Objekte wecken Assoziationen an Mythen, Orte, Rituale und Ereignisse, zitieren Liederstrophen oder sprichwörtlich gewordene Ratschläge, ohne dass sie sich konkret auflösen ließen. Auch bei längerer Auseinandersetzung mit der Arbeit bleibt ein schwebender Zustand erhalten, der reizvoll und verstörend zugleich ist.

Alexandra Bircken 
*1967 in Köln, lebt in Köln
PAL 187 PoF, PAL 362 PoF , 2012

Alexandra Bircken studierte am Central Saint Martins College of Art and Design in London Modedesign und war auch einige Jahre dort als Dozentin für Modedesign tätig. So lässt sich ihre Vorliebe für Stoffe erklären mit denen sie heute immer noch arbeitet. Ihre künstlerische Praxis hat sich von Beginn an in den Raum orientiert und viele verschiedene Materialien, neben der Vielzahl von Stoffen und Garnen, miteinbezogen. 
Florian Waldvogel beschrieb Birckens Werk bereits als „fulminante künstlerische Kirmes“. So geht sie auch bei dieser Arbeit vor, bei der einem schwindelig wird wie in einem Kirmeskarussel, ob ihrer vielen Kreise, die sie dreht. Die Arbeitsplatten, die man sich je nach Bedarf für die Küche zuschneiden lassen kann, sind hier außergewöhnlich lang, nämlich über vier Meter. Sie sind aber nicht weiß, sondern gemasert, marmoriert. Es handelt sich um kein echtes, massives Holz, sondern um eine Holzwerkstoffplatte, deren Oberfläche imitiert. Holz wiederum ist ein genuin künstlerisches Material, ein klassisches Material der Bildhauerei. Bircken entreißt das Baumarktmaterial seinem Küchenzusammenhang und hängt es kurzerhand an die Wand der Kunsthalle. Ihre Landschaftsgemälde oder abstrakten Malereien entpuppen sich bei näherer Betrachtung als sehr lange Küchenarbeitsplatten. So kann man hin- und herspringen zwischen dem Abstrakten, Imaginären und Konkreten und landet zwischendurch beim Ready-made. Denn bis auf die Länge und die Art der Präsentation hat die Künstlerin nichts verändert. 
Alexandra Bircken spielt mit Klischees und bricht sie ironisch. Die Verwendung von weiblich aufgeladenen Materialien und Techniken, die Nutzung von Baumarktmaterialien, wird reflektiert und diese Ebene in den Arbeiten selbst sichtbar gemacht.

Karla Black
*1972 in Alexandria, Schottland, lebt in Glasgow
Divison Is, 2010 (Papier, Farbe, Styropor, Make-up, 145 x 260 x 70 cm)

Karla Black verwendet ephemere und ungewöhnliche Materialien wie z.B. Puder, Kreide, Badebomben, Lidschatten, Gesichtspuder, Nagellack, Lippenstift, Lipgloss, Handcreme, Zahnpasta, Medizin, Zellophanfolie, Tesafilm und Bastelpapier. Man könnte sie auch als kunstfern bezeichnen, dennoch gelingt es Black sie ästhetisch so zu installieren und inhaltlich zu belegen, dass ungewöhnliche performative Skulpturen und Rauminstallationen entstehen. Kombiniert werden diese weichen Materialien mit eher traditionellen, künstlerischen Werkstoffen.
Auffällig bei Divison Is ist die hautfarbene Tönung des aufgestellten Papiers, die an Make-up-Farbe nicht nur erinnert, sondern diese tatsächlich ein Bestandteil der Arbeit ist. Die einzelnen Papierbögen sind in verschiedenen Hauttonabstufungen bemalt und dann zu einem Objekt verarbeitet und aufgerichtet. Es erscheint auf den ersten Blick so, als ob die einzelnen Papiere durch Klebeband, das eine ähnliche Farbe aufweisen kann, locker zusammengehalten werden. Aber dies ist eine Täuschung und entpuppt sich ebenfalls als Farbe, in diesem Fall Creme-Make-up für verschiedene Hauttöne, das locker über die Papiere getupft ist und auch an Hautveränderungen denken lässt.
Man kann diese skulpturale Papierarbeit als dreidimensionale abstrakte Malerei sehen, die „Figuratives“ aufruft, z.B. verschiedene Hauttypen. Dieser Assoziation zur Haut als menschlichem Organ wird aber durch die geometrische Struktur innerhalb der Arbeit und auch durch die äußere Form widersprochen. 
„While there are ideas about psychological and emotional developmental processes held within the sculptures I make, the things themselves are actual physical explorations into thinking, feeling, communicating and relating.“ 
(Karla Black)
Kristina Bræin
*1955 in Oslo, lebt in Oslo
Lamp, 2013
The Feeling of Taking a Stand, 1999/ 2013
Healing, 2012  

Die norwegische Künstlerin Kristina Bræin arbeitet ortsbezogen und lässt sich stets von den Räumlichkeiten, in denen sie ausstellt, anregen. Die Ambivalenz aus einer lockeren, scheinbar achtlosen Drapierung der Elemente und einer äußerst präzisen Setzung macht die gelassene Konzentration dieses Werks aus. Sie integriert oftmals Fundstücke und ungewöhnliche Materialien aus dem Baumarkt, wie MDF-Platten, Holzlatten, Karton, Klebeband, Luftpolsterfolie, Stoffe, die auch eine Patina des Genutzten aufweisen können. Ergänzt wird dies mit schwerelosen Wandmalereien. 
Im Anschluss an die Minimal Art und Konzeptkunst der 1960er und 1970er Jahre entstehen auf subversive Weise installative Eingriffe. Das Beiläufige und Höflich-Zurückgenommene zeichnet ihre Arbeit aus, so dass man sie fast übersehen könnte. Dies ist gewollt: Das Unfertige, das Provisorische, der Versuch, ein Zustand in flux zeichnet ihre Raumarrangements aus. Die herrschende Logik des Innen- wie Außenraums wird hinterfragt und das Unerwartete wie Absurde ihrer Arbeiten erobert den Betrachter in einer Brise,  mit einem verschmitzen Charme, dem man sich kaum entziehen kann.
Kristina Bræin studierte Bildende Kunst, Architekturgeschichte und Musik. Alle drei Interessen mit ihren sich überlagernden Wesenheiten, Strukturen und Denkweisen verwebt sie in ihren Raumbildern.

Sylvie Fleury
*1961 in Genf, lebt in Genf
Dallas True Religion, 2012

Es gibt zur Zeit kaum eine andere Künstlerin, die sich so intensiv mit dem Glamourfaktor und Statuspotenzial von modischen Konsumartikeln und dem damit verbundenen emotional aufgeladenen Verlangen nach deren Besitz auseinandersetzt wie Sylvie Fleury. Gerade die Dinge, die besonders für eine „stereotype“ weibliche Sensibilität gedacht sind:  Schuhe – möglichst hochhackig, Handtaschen – bitte nur im Designerlabel, Lippenstifte – cremig und bunt; sie  
und ihre mit signalwirkenden Markensignets bedruckten Verpackungen, werden wie Ready Mades dem Fluss des Konsumangebotes entrissen und trophäengleich ausgestellt.
In Münster wird Fleurys  Kunstwerk „Dallas True Religion“ (2012) gezeigt. Auf einem Sockel, geschützt durch eine Plexiglashaube, befindet sich eine Ansammlung von Einkaufstaschen und Verpackungskartons für „hippe Klamotten“ von Firmen wie Juicy Culture oder True Religion. Auch eine Tragetasche von dem Edelkaufhaus Nieman Marcus gehört zur Beute. In Dallas (Texas) kann man heute noch das Mutterhaus dieses Einkaufsimperiums für Luxusgüter besuchen, in dem Fleury vielleicht gerade eben noch ihre Sammellust befriedigt hat, denn einige der Papiertüten sind noch nicht ausgepackt. Dieser Überraschungseffekt schürt seinerseits das Wunschdenken des Betrachters. Mehr noch: Der sinnliche Reiz dieser Markenartikel und das Begehren danach bekommen durch diese künstliche Inszenierung eine fast beunruhigende Wertigkeit. Fleurys ästhetische Methode verleiht diesen Konsumgegenständen fast den Status der „hehren Kunst“. Irritiert zweifelt der Betrachter an seinem eigenen Unterscheidungsvermögen und daran, wie nahe sich der ästhetische Reiz dieser eigentlich doch „banalen“ Dinge und der Reiz der Kunstgegenstände kommen können! 

Fleury und ihre Generation der Postfeministinnen verurteilen die Stöckelschuhträgerin nicht. Im Gegenteil: Ihre Kunst spielt mit dem Gedanken, wie durchlässig unsere Kategorien von Geschmacksurteilen und die Bestimmung von Hoch- und Alltagskultur mittlerweile geworden sind. Sylvie Fleurys Installation „True Religion“ ist daher als eine sehr wohl reflektierte und hintergründige Parodie auf unsere Konsumgesellschaft zu lesen.

Andreas Gloël 
*1980 in Oulu, Finnland, lebt in Köln
Ohne Titel, 2009–2013 

Sieben dunkle Kostbarkeiten sind auf zwei Podesten arrangiert. Worum handelt es sich? Das Leder und die Machart lassen sofort an Schuhe denken. Es sind aber verwandelte Schuhe bzw. befinden sie sich noch in einer Vorstufe zu den eigentlichen Schuhen. Früher war das Handwerk, Schuhe rahmengenäht herzustellen das herkömmliche Verfahren, dann wurde es durch ein maschinelles verdrängt, um heute wieder einen festen Platz in der Schuhproduktion einzunehmen. Das vormals Gewöhnliche ist heute zum Luxus geworden. Hier hat der Künstler auf dem Weg zur Herstellung eines maßgeschneiderten Schuhs eine endlose Schuhkappe, einen „runden“ Schuh, hergestellt. Das Luxusgut des Schuhs geht elegant im Luxusgut des Kunstwerks auf, wobei der Schuh seine Funktion als Schuh einbüßt. Als Schuhobjekt und verschobenes Statussymbol hingegen, potenziert es seine Objekthaftigkeit und seine Schönheit. Unterstützt wird dies durch die Form des Displays, das das lederne Objekt in eine Preziose überführt.
Auf der Suche nach dem perfekten Schuh und dem perfekten runden Schuh-Objekt ist Andreas Gloël nicht fündig geworden. Dafür hat er viele verschiedene Dinge erarbeitet: runde, glänzende, braune und schwarze, rahmen- und darunter auch doppelt genähte, mit und ohne Lochmuster (Brogues), alles Unikate, die sich in ihrer Varianz einer Perfektion annähern ohne sie wirklich erreichen zu wollen. Das Handwerk wird in ihnen lebendig und auf eine zurückgenommene Art geehrt. 
Diese Dinge, ihre Entstehung und Herangehensweise sind sehr eigentümlich und erweitern den Kosmos von Gloëls anderen Gegenständen, die er in eine spezielle Richtung verschiebt, ihnen ihre ursprüngliche Funktion entzieht, dafür aber manchmal eine neue, imaginäre zuteilt, die über die Funktion als Kunstwerk hinausgeht.
Andreas Gloël ist Betreiber des Projektraums Bruch & Dallas in Köln.

Surasi Kusolwong
* 1965 in Ayutthaya, Thailand, lebt in Bangkok 
Emotional Machine (with Marcel Broodthaers), 2000–2004/ 2013 
In der raumgreifenden Installation Emotional Machine begibt sich der Besucher auf eine Entdeckungsreise durch Alltags- und Hochkultur, durch Geschichte und Gefühle. Der VW-Käfer, weltweit verbreitetes Fahrzeug und das Symbol für Mobilität für jedermann schlechthin, „läuft und läuft und läuft“ hier nicht mehr, sondern hängt wie ein Käfer auf dem Rücken von der Decke, umfunktioniert zu einer „Schaukel“, in der man wie in einer Wiege in einer Kuschellandschaft liegen und ein Video von einem Sonnenuntergang genießen kann. Die Technik, Reifen und die Innenausstattung liegen sortiert um ihn herum, wie auf dem Flohmarkt mit anderen Objekten, die scheinbar nichts mit dem Auto zu tun haben. An der Wand hängt eine Collage von ihm selbst und ein Druck  von Marcel Broodthaers. Wovon die (sentimentalen) Gefühle bis hin zum Schwindel erzeugt werden, bleibt offen: Von der Vielzahl der einzelnen Dinge? Von der Schaukel-Bewegung? Von dem Video? Oder von individuellen Erinnerungen und kollektiven Erlebnissen mit dem zum Kultobjekt gewordenen Transportmittel mit wechselhafter Geschichte: KdF- und Volkswagen, Symbol des Wirtschaftswunders, Exportschlager, Komödienstar in Hollywood? Auf jeden Fall erhält die Geschichte des VWs mit der „Schaukel“ ein neues Kapitel. Wie bei dem zitierten belgischen Künstler Marcel Broodthaers mündet Kusolwongs Auseinandersetzung mit Objekten, Zeichen- und Ordnungssystemen in ein eigenes Verweissystem aus einem Mix aus Hoch- und Alltagskultur, Erinnerungen, Klischees, Kunst und Leben. Dieses System behandelt alle Dinge gleichwertig und handelt davon, wie in unserer globalen, ökonomisierten Welt Emotionen erzeugt werden: Nämlich mittels industriell produzierter Massenware und medial vermittelter (Natur-)Erlebnisse, die sich in einem ständigen Strom des Austausches befinden und hier kunstvoll miteinander vermengt sind. Die Ausstellungsbesucher werden zu zentralen Elementen der Emotional Machine, die aktiv an der Erzeugung von Emotionen beteiligt sind und denen daher ein distanzierter Überblick über das Ganze nicht möglich ist.

Al Masson
Geboren in Marseille, Frankreich, lebt in Kopenhagen und Berlin
Changing Room, 2002/ 2013

Die Rauminstallation von Al Masson ist eine Rekonstruktion einer Situation, die jede/r aus der Schulzeit kennt: ein Umkleideraum. Zunächst nimmt man die farbigen Bade- und Handtücher wahr, die in einer ausgewogenen Komposition an den Wänden arrangiert sind, dann werden aber sofort Erinnerungen an die besondere Atmosphäre in dieser Art von Räumen wach: Man fühlte sich beobachtet, warf selbst heimliche Blicke, das kalte Neon-Licht ließ die Körper nicht vorteilhaft erscheinen und der Geruch von Schweiß, nassen Handtüchern und Reinigungsmittel hing nach. Und obwohl man weiß, dass man in einer Kunstausstellung ist, nimmt man das Ganze als real wahr, nicht zuletzt deshalb, weil man auf den Bänken Platz nehmen kann.
Al Masson verschränkt hier verschiedene Sphären miteinander. Die vor Ort in Secondhandläden gesammelten Handtücher erscheinen wie Häute, die an Haken hängen. Dadurch entsteht – vor allem bei den stark verwaschenen Textilien, die eine eigene Geschichte erzählen – eine starke Identifikation. Bei längerem Aufenthalt in dem Raum fühlt man sich aber auch geradezu von den Handtüchern beobachtet. 
Es gibt mehrere Referenzpunkte für die Arbeit. Zum einen sind Künstler seit über zweitausend Jahren fasziniert vom Spiel von Licht und Schatten, wie sie es etwa im Faltenwurf von Gewändern und von Hautfalten darstellen, und wie es von Gilles Deleuze (1988) in dem Text Le Plis (Die Falte. Leibniz und der Barock, dt. Übersetzung 2000) aufgegriffen wird. Zum anderen zwingt die moderne Welt mit ihren massenhaft vorhandenen Produkten, den Ready-mades, ihn dazu, Stellung zu beziehen und sich mit ihnen auseinanderzusetzen, wie der Künstler erläutert. Dabei bedient er sich ihrer nur temporär, um sie nach der Um- bzw. Zweitnutzung wieder in den Kreislauf einzuspeisen. Zum Konzept gehört aber auch, dass der Ausstellungsort und die Situation „Umkleideraum“ durch ihre Verschränkung einen anderen, dritten Ort bilden. Die zentrale Rolle kommt den Besuchern zu, denn sie sind eingeladen, als Akteure den Ort mit ihren Erinnerungen und Illusionen aufzuladen und zu prägen.

Roman Signer
*1938 in Appenzell, Schweiz, lebt in St. Gallen
Zimmer mit Weihnachtsbaum, 2010

„Oh Tannenbaum, Oh Tannenbaum.“ Wir lieben diese Tradition und den Gebrauch, kurz vor Weihnachten einen Baum – egal ob künstlich oder echt – 
mit Kugeln oder glitzerndem Zeug zu schmücken. Aber es gibt einen Punkt, an dem unsere Zuneigung schlechthin platzt: Und wir ihn gar nicht mehr sehen mögen! Unsere Liebe und (spätesten im Januar) Abneigung für dieses (nun ausgetrocknete) Gewächs zeigt, wie unsere Liebe zu den Dingen doch von einem großen Spektrum an Gefühlen geprägt ist. Denn die Einstellung zum Weihnachtsbaum pendelt für viele von uns von Dezember bis Januar zwischen den Polen Entzückung bis Zerstörungslust. Und die Tatsache, dass diese Gegensätze eine Sprengkraft psychologischer wie auch physischer Art auslösen können, wird in Roman Signers Inszenierung auf etwas beängstigende, aber auch höchst komische Art und Weise vorgespielt. In seinen ereignisreichen Kunstwerken widmet sich der Künstler der Untersuchung und Darstellung allmählicher oder plötzlicher Veränderungen von Gegenständen und Zuständen, die durch den gezielten Einsatz von verschiedenen Kräften herbeigeführt werden können. Denn es ist das Spiel mit den konstruktiven und destruktiven Kräften von Dingen und die Darstellung dieser Energien als Allegorie für menschliche Lust und menschliches Leid, das Signers besonderes künstlerisches Interesse vorantreibt. 
Für sein Kunstwerk  „Zimmer mit Weihnachtsbaum“ (2010)  ist ein Mini-Raum von 4 x 4 x 2,3 m aufgebaut worden. Darin befindet sich ein künstlicher Tannenbaum. Am Anfang der Ausstellungsdauer  wurde er feierlich mit traditionellem Weihnachtsschmuck, unter anderem mit vielen roten Kugeln, dekoriert.  Typisch für Signer wurde dieses Schmücken zu einem außergewöhnlichen Ereignis. Denn der  Ständer für diesen Baum dreht sich mit einem atemberaubenden Tempo und schüttelt den Schmuck gleich zu Anfang durch den Raum. Das Resultat: Zack!Bumm!Peng! – es steht ein „befreiter“ Baum neben einem Haufen Scherben. Vielleicht lässt sich Signers explosive Aktion als augenzwinkernde Erlösung für den weit verbreiteten Weihnachtskoller  verstehen?

Florian Slotawa
*1972 in Rosenheim, lebt in Berlin
Hamburger Bestandsaufnahme, 1996/ 2013

Als Student transferierte Florian Slotawa 1996 seinen gesamten Hausstand in ein Atelier der Kunsthochschule Hamburg. Um sich einen Überblick über seinen Besitz zu verschaffen, dokumentierte er dort alle Gegenstände fotografisch. Sorgfältig nach Kategorien geordnet ziehen die Dinge nun in einer Dia-Show sachlich und würdig – zuweilen aufgrund ihrer Formen und Anordnung auch heiter anmutend –an uns vorüber. Man sieht die Dinge, die sich im Leben des Künstlers angesammelt haben, staunt über das Spektrum von Varianten einzelner Gegenstände, meint, den Künstler aufgrund der Dinge näher kennenzulernen, auch wenn vieles stellvertretend für eine bestimmte Generation steht. Das Individuelle und das Allgemeine überlagert sich hier. Vor der Kamera werden die Gebrauchsgegenstände zu künstlerischen Objekten, die nach der Aufnahme wieder im Alltag weiterverwendet werden. Dieses Verfahren beruht auf Entwendung von Dingen aus ihrem ursprünglichen Gebrauchszusammenhang, was zu einer temporären Entbehrung und Leere führt.
Mit diesem ersten Akt der „Besitzarbeit“ legte der Künstler die Grundlage für sein künstlerisches Konzept, ohne es als solches bewusst angelegt zu haben: Bis heute spielen der konzeptuelle Umgang mit dem Medium der Fotografie und mit dem Skulpturalen in Form bereits vorhandener Alltagsgegenstände eine zentrale Rolle. Gelegentlich wandern Gegenstände in Tauschaktionen vom öffentlichen in den privaten Raum oder umgekehrt, um dann wieder an ihren ursprünglichen Ort zurückzukehren.
Die radikale Haltung des Künstlers mit seinem „Materialpool“ stellt Sammler und Museen vor ein Problem, da man nicht nur Teile aus einer Installation kaufen kann. Der Sammler Axel Haubrok, der Slotawas Konzept verstanden hatte, löste dieses Problem, indem er den kompletten Besitz kaufte, um die Arbeit zu besitzen.
Ähnlich wie bei dem psychologischen Prozess der Trauerarbeit handelt es sich bei Slotawas Arbeit um eine aktive, aber subtile Auseinandersetzung mit einem Verlust wie etwa der Kindheit, symbolisiert durch bestimmte Dinge. Zugleich sorgt das Archiv der Dinge beim Betrachter für zahlreiche Momente der Erinnerungen und Assoziationen an eigene Besitztümer und die mit ihnen verbundenen Erlebnisse.

Erwin Wurm
*1954 in Bruck an der Mur, lebt in Wien und New York
Keep a Cool Head, 2003/ 2013

Erwin Wurm dekonstruiert alltägliche Situationen und Konsumrituale. Durch Provokation, Schrägheit und absurden Witz stellt er Popstandards in Frage und verhindert vereinfachende Einordnungen in geläufige Zeichensysteme. Sein Werk kann auch als Forschungsprojekt zum erweiterten Skulpturenbegriff verstanden werden. Alles kann bei ihm Skulptur werden: ein Gedanke, eine Handlung, eine Zeichnung oder ein Text. „put your head and arm in the frigde and have a line or smoke a joint or drink a beer“, lautet die Anweisung für die in Münster gezeigte Installation „Keep a Cool Head“, die er 2006 für die gleichnamige Ausstellung im MUMOK (Wien) entwickelt hat. 
An den Grenzbereichen zwischen Skulptur, Aktion und Performance angelegt, zählt die Arbeit zu den sogenannten „One Minute Sculptures“ (OMS), mit denen Erwin Wurm Ende der 1990er Jahre einen neuen Skulpturentypus erfand, der die Interaktion der Besucher verlangt und sie für einen kurzen Moment in eine Skulptur verwandelt. Der Titel der Installation „Keap a Cool Head“ ist daher auch als Aufforderung an den Besucher zu verstehen, Kopf und Hände in den für die Ausstellung präparierten Kühlschrank zu stecken und sich im grellen Kühlschranklicht buchstäblich den Kopf zu kühlen, eine einmalige Möglichkeit und Perspektive, die man zu Hause nicht einnehmen kann. 

Mit den Mitteln der Paradoxie und Groteske schafft Erwin Wurm irritierende Situationen. An anderen Ausstellungsorten animierte der österreichische Künstler die Besucher, sich Dosen, Stifte und Stöcke in Nase, Ohren und Augenhöhlen zu stecken, sich auf Apfelsinen zu legen, Eimer über den Kopf zu stülpen oder einen beliebigen Gegenstand zwischen sich und den Körper eines Freundes zu klemmen. Seine Kunst handelt vielfach von elementaren oder banalen Lebensbedürfnissen. Oft greift er Themen wie Schlankheitswahn, Fettsucht, Mode, Werbung oder Fetische der Konsumkult auf. Bekannt wurde er u.a. als „artist who swallowed the world“ - durch seine slapstickartigen, fettsüchtigen, manchmal herabstürzenden Autos, Häuser, Möbelstücke und aufgeblasenen, deformierten „menschlichen“ Skulpturen. 

Haegue Yang
*1971 in Seoul, Korea, lebt in Berlin und Seoul
Entanglement Encircling Bitten Circles – green, 2012
Stone Dance – Angular Circular (No. 31), 2010
Philosophische, anthropologische, ethnologische und kulturgeschichtliche Fragestellungen interessieren Haegue Yang, denen sie intensiv nachgeht. Seit 2006 entstehen ihre Lichtskulpturen, die eine ethnologische und anthropologische Komponente aufweisen. Die in der Kunsthalle gezeigten bestehen als Basis aus einem Kleiderständer oder einem Zweiarmständer und weisen durch diese Wahl schon auf etwas Wesenhaftes hin. In der Anthropologie werden oftmals Tänze untersucht, gerade wegen ihrer Flüchtigkeit ist die Überlieferung auf das Mündliche angewiesen. Vermutlich wurde davon die Gruppe der Stone Dance-Lichtskulpturen inspiriert. Wenn man sich einen Steintanz vorstellen würde, wäre er vielleicht Angular Circular, also eckig-rund, was an primitive Tänze denken lässt und in Verbindung stehen könnte mit dem Antiklassizismus von Le Sacre du Printemps und des Ballets Russes – so schlägt es der Autor Doryun Chong vor. Das besondere an den Lichtskulpturen von Haegue Yang sind die Gegenstände und Materialien, mit denen sie sie ausstattet, z.B. Wolle, Kabel, Glühbirnen, Teller und Metallketten. Die weißen Kabel bilden abstrakte Muster, an der Unterseite des Tellers wächst eine Art Schwamm oder Anemone aus Gestricktem und die groben Steine aus Papiermaché baumeln wie Schmuckstücke oder Knochen von dem Ständer herab. Viele Assoziationen können aufgerufen werden, denn Haegue Yang versteht es Stimmungen zu kreieren, sich auf einen Ort einzulassen und ihn zu verändern. Licht und Schatten sind im Einsatz bei den Lichtskulpturen und Jalousien, die sie für Rauminstallationen verwendet, manchmal auch angereichert mit unterschiedlichen Duftkonzentraten, die dem Besucher entgegenwehen (z.B. 2009 im Koreanischen Pavillon auf der Venedig Biennale).

Die Ausstellung wurde von den Gastkuratorinnen Susanne Düchting und Julia Wirxel zusammen mit der Leiterin der Kunsthalle Gail B. Kirkpatrick kuratiert und vom Ministerium für Familie, Kinder, Jugend, Kultur und Sport des Landes Nordrhein-Westfalen und dem OCA – Office for Contemporary Art Norway gefördert. Die Kunsthalle wird von dem Freundeskreis der Kunsthalle Münster unterstützt und von den Stadtwerken Münster GmbH gefördert.

Kunsthalle Münster
Speicher II | Hafenweg 28 | 48155 Münster 
T 0251/4924191 | F 4927752 (Kulturamt)
kulturamt@stadt-muenster.de | www.kunsthalle.muenster.de
Telefon während der Öffnungszeiten: 0251/6744675
Öffnungszeiten: Di.–Fr. 14–19 Uhr · Sa./So. 12–18 Uhr
geöffnet am 26. 12. und am 1. 1., jeweils 12–18 Uhr
geschlossen am 24. und 25. 12.
Let’s talk about art – Kunstgespräche: jeden Sonntag, 16–18 Uhr

Kuratorinnenführungen | Filmprogramm:
Susanne Düchting: Freitag, 24. 1., 18 Uhr 
Anschließend am 24.1. ab 19 Uhr: MAPPING THINGS, Kurzfilmabend von Nicole Rebmann (Köln)
Gail B. Kirkpatrick:  Führung, Sonntag, 2. 3., 11 Uhr

Presse: Verena Voigt PR | M 0163 191 1669 | www.verena-voigt-pr.de