PRESSEINFORMATION

Ausstellungshalle zeitgenössische Kunst Münster
Transfer Türkiye-NRW / 2005-2007
16. September – 25. November 2007
Hafenweg 28 (Speicher II), 48155 Münster
Öffnungszeiten: Di-Fr: 14-19 Uhr, Sa/So: 12-18 Uhr

Der Transfer ist ein internationales Künstler- und Kunstaustauschprogramm des NRW KULTURsekretariats, das seit 1990 mit verschiedenen Kulturpartnern in NRW sowie wechselnden Partnerländern veranstaltet wird.  Im Mittelpunkt des aktuellen Kooperationsprojektes Transfer Türkei-NRW / 2005-2007 stand die Türkei. Zu den verantwortlichen Kuratoren gehörten Dr. Gail B. Kirkpatrick (Ausstellungshalle zeitgenössische Kunst Münster), Harald Kunde (Ludwig Forum Aachen), Dr. Hans Günter Golinski (Museum Bochum) sowie Emre Baykal und Başak Dogan Temur (Santralistanbul, Istanbul). Aus Nordrhein-Westfalen nahmen Tatjana Doll, Anja Jensen, Max Sudhues, Eva-Maria Kollischan, Heike Weber, Stephan Mörsch und Matthias Schamp teil. Die ausgewählten Gastkünstler waren Elif Çelebi, Aksel Zeydan Göz und Yasemin Özcan Kaya und Ferhat Özgür. Davon in Münster zu Gast: Burak Delier, Sener Özmen und Cengiz Tekin. Zeitgleich mit der Ausstellung in der AZKM präsentieren sich die 14 beteiligten Künstler an drei weiteren Ausstellungsorten mit jeweils unterschiedlichen Arbeiten: im Ludwig Forum Aachen, im Museum Bochum und ab Dezember 2007 in der Santralistanbul.

Burak Delier (*1977, lebt und arbeitet in Istanbul)
Ohne Titel (E.U. Flag), Fotografie, 2004
Guard, Fotografie, 2005
Small Man, Miniatur-Plastik, 2005
Delivery, Fotografie, 2005
Burak Deliers Kunstwerke formulieren häufig brisante und kritische Äußerungen über aktuelle, gesellschaftliche und politische Zusammenhänge. Dies trifft auch auf die drei großformatigen Fotografien und die auf dem Boden platzierte Miniatur-Plastik zu, die der in Istanbul lebende Künstler in Münster zeigt. Warum wehrt man sich? Diese Frage nach den politischen Ursachen, die das Gefühl des Sich-Wehren-Müssens auslösen, wird in Deliers künstlerischem Denken vielfältig reflektiert. Häufig fragt man sich „Wer schützt wen?“ Die Ambivalenz der politischen Macht als Hüter der Rechte und des Wohlergehens des Individuums findet in Deliers Kunst eine ironische Brechung. Seine Plastik „Kleiner Mann“, die nur einige Zentimeter hoch ist, illustriert auf einfache, jedoch präzise Weise, wie sich das Individuum in der Gesellschaft herausgefordert und im Stande sieht, sich gegen übermächtige Kräfte zu wehren. Deliers’ Spielzeugfigur trägt einen Nagel als Waffe vor dem Bauch. Fast übersehbar und gefährdet auf einer Spanplatte auf dem Boden der Ausstellungshalle, suggeriert er, wie subversive Methoden manchmal großen Widerstand hervorbringen können. 
Zwei der Fotos von Deliers sind wie herkömmliche Plakate profan mit Kleister an die Wand geklebt. Damit zitiert der Künstler die Methoden der Informationsverbreitung in der urbanen Öffentlichkeit. Eines dieser Plakate zeigt eine türkische Frau, die sich mit der blauen-goldenen EU-Fahne wie mit einer Burka verhüllt. Hier wird auf vieldeutige und brisante Weise die Frage nach der individuellen Besinnung und dem politischen Willen veranschaulicht. 

Şener Özmen (*1971, lebt und arbeitet in Diyarbakir)
Our Village, Video, 7’46’’, 2004
Auch Şener Özmen greift mit seinem Video-Projekt „Our Village“ auf sehr emotional bewegende Art und Weise aktuelle gesellschaftliche und politische Zusammenhänge auf. Der aus Diyarbakir stammende Künstler filmte zwei gleichaltrige Mädchen, die lauthals und vehement ein beliebtes kurdisches Kinderlied singen. Der Bildausschnitt, in dem die beiden Schülerinnen gefilmt sind, ist kreisförmig, wie die Zielscheibe in einem Wurfspiel. Lange Zeit war das Singen dieses harmlosen Liedes unter Strafe verboten. Die blutige, körperliche Metamorphose, die die singenden Mädchen im Film erleben, im Zusammenhang mit dem verbotenen Lied, erzeugt eine hoch emotional aufgeladene und anschauliche Brisanz. Die unsichtbare politische Unterdrückung erhält in Özmens inszeniertem Kunstvideo hautnah ein bestürzend menschliches Gesicht. 

Cengiz Tekin (*1977, lebt und arbeitet in Diyarbakir)
Free Kicks, 6 Fotografien, 2003
Cengiz Tekin zeigt in Münster eine sechsteilige Fotoserie. Als Hintergrund-Szenario wählt der in Diyarbakir lebende Künstler das lokale Fußballstadion mit dem Blick auf die erst in jüngster Vergangenheit entstandenen Gebäude der Stadt. Tekin inszeniert eine absurde Szenenabfolge: Ein Spieler im Trikot der lokalen Fußballmannschaft visiert aus elf Meter Entfernung das Tor an und versucht, einen Treffer zu erzielen. Festgehalten wird dies in chronologischen Momentaufnahmen, die Raum für Spekulationen lassen. Der Angriff des Profis wird vereitelt, er trifft auf ein Hindernis, auf eine „Mauer“, die jedoch nicht aus professionellen Gegenspielern besteht, sondern aus Mitgliedern der Familie von Cengiz Tekins. Auf dem öffentlichen Fußballfeld sind auch Tekins Mutter und Großmutter zu sehen. Die Teilnahme der beiden Frauen an der Fotoarbeit kostete den Künstler nach eigener Auskunft große Überzeugungsarbeit, denn mit diesem öffentlichen Auftritt wurde der traditionelle Verhaltenskodex für Frauen in Diyarbakir radikal in Frage gestellt. 

Ferhat Özgür (*1965, lebt und arbeitet in Ankara)
Today is Sun/Monday“, Video 7’15’’
Ferhat Özgürs Videoarbeit „Today is Sun/Monday“ ist eine atmosphärische Aufnahme der Zwielichtigkeit, verstanden als Zustand einer durch Flüchtigkeit und Unsicherheit geprägten Instabilität. Auf dem sog. Russenmarkt, einem in den 1990er Jahren vorwiegend von Ausländern gegründeten und von ihnen betriebenen Marktplatz im Zentrum von Ankara werden teilweise illegale Waren, von oft ungewisser Herkunft feilgeboten. In der Nacht von Sonntag auf Montag wird der Markt immer wieder aufgelöst. Die Marktstände müssen rasch abgebaut werden, um den Platz für die offizielle Nutzung freizumachen und den Ort zu bereinigen. Verhüllt in dem nächtlichen Scheinwerferlicht schieben die Arbeiter die Bauteile der Marktstände wie Theater-Kulissen auf einer sonst verlassenen Bühne hin und hier. Der Video-Mitschnitt von Ferhat Özgür ist eine poetische und zugleich enthüllende Dokumentation dieser flüchtigen Existenzen und ihres sonderbaren Treibens. Die Video-Präsentation in der Ausstellungshalle gibt der gesellschaftlichen Unfassbarkeit durch ihre faszinierenden Zwielichtigkeit eine visuelle Präsenz. 

Elif Çelbris (*1973 in Montreal, lebt in Istanbul)
Desire, Video, 19’45’’, 2001
Das Kunstvideo „Desire“ von Elif Çelbris wirkt wie ein Aquarium für Wespen, das in die Wand eingelassen ist und nur wenige Millimeter in den Raum hineinragt. Als Trompe-l’œil hat es eine fesselnde, visuelle Kraft. Das bewegte Bild strahlt durch seine gelb-grüne Farbwirkung in den abgedunkelten Ausstellungsraum hinein. Doch lassen wir uns nicht täuschen. Es handelt sich um eine Situation, die jeder kennt, der sein Limonadeglas einmal unter freiem Himmel vergessen hat. Die Wespen werden von der süßen Flüssigkeit angelockt und können sich zumeist aus der tödlichen Falle nicht mehr befreien. Elif Çelbris zeigt uns nur dieses eine bewegte Bild. Im Hintergrund hört man die heiteren Stimmen von vergnügten Menschen in einem Garten in Kroatien. Die Künstlerin unterhält sich mit Bekannten. Was vorher war und was kommen wird, bleibt offen. Irgendwann verlangt das Video nach Interpretation. Es ist das Vanitas-Motiv, das die in Istanbul lebende Künstlerin in dieser alltäglichen Vision aufgreift und das den Betrachter in vielfältige Spekulationen über das Leben und den Tod verwickelt. 

Yasemin Özcan Kaya (*1974, lebt und arbeitet in Istanbul)
Transfer Visit, Video, 2007
Yasemin Özcan Kaya erzählt in ihrem Video eine Gesichte, die geprägt ist von autobiographischen Momenten. Die Erfahrungen beim Projekt „Transfer“, Yasemin Özcan Kaya unmittelbare Erfahrungen und Eindrücke als Teilnehmerin des internationalen Austauschprojektes, sind der inhaltliche Ausgangspunkt ihrer filmischen Arbeit. Aber wie werden Eindrücke und Erinnerungen geprägt und festgehalten? Teilweise in anekdotischem, humoristischem Stil erzählt Kaya von ihren Vorbereitungen auf die Transfer-Begegnung und Kuratorenbesuche, auf die sie sich in besonderer Weise vorbereiten möchte. Das Video dokumentiert eines der Großereignisse im Vorfeld der Begegnungen: die Renovierung der eigenen Wohnung, ein Unternehmen, das abgeschlossen sein sollte, bevor die Kuratoren des Transfer-Projektes sie besuchten. Das Video zeigt die verschiedenen Episoden der Renovierung. 
Verschiedene andere Perspektiven lassen durchblicken, was das Transfer-Projekt für die Künstlerin bedeutet, etwa wenn Kayas Freunde aus ihrer Sicht berichten, welche Bedeutung die Teilnahme an dem Austausch-Programm für sie bekam. Dazu werden Ausschnitte aus bekannten Filmen, die Kaya sehr beeindruckt haben, wie Elemente einer Kollage in das Storyboard des Videos eingewebt. Die Perspektiven wechseln und die verschiedenen Geschichten, die erzählt werden, verleihen Kayas Transfer-Erfahrung eine persönliche und individuelle Dimension. Somit erfährt auch der Betrachter selbst einige Transfer-Erlebnisse, sehr authentisch mit einer hautnahen Intensität. 

Aksel Zeydan Göz (*1962, lebt und arbeitet in Köln)
Simone, Video, 2007
Waiting, Video 3’30’’, 2006
Die Methode wirkt auf den ersten Blick etwas antiquiert: Holzschnitt-Manier á la 50er Jahre. Doch die schwarz-weißen Phantasie-Bilder, die Aksel Zeydan Göz produziert, sind computergeneriert und verdichten sich zu einer Geschichte, die im Stakkato-Rhythmus vorgeführt wird. Die Adaption der expressiven Holzschnitz-Technik durchdringt die Videoarbeit mit einer fast düsteren, aggressiven Emotionalität. „Simone“ ist die weibliche Hauptperson des gleichnamigen Videos. Sie erscheint, wirbelt durchs Bild, um sich im nächsten Moment in einer formellen Abstraktion aufzulösen. Im Liebesakt verschwindet sie in einem Dickicht von Linien und Formen, im Ausblenden von schwarz-weißen Flächen. 
Stets ist der weibliche Körper einer phantasiegelenkten Metamorphose ausgesetzt, die sich zu dramatischen Episoden emporschwingt, um in der Gestaltung komplexer und formeller Gefüge sanft zu landen. 
Aksel Zeydan Göz nimmt durch seinen Titel Bezug auf das Kapitel „Simone“ aus der Erzählung „Die Geschichte des Auges“ von Georges Batailles (Histoire de l’œil, Paris, 1967). Ebenso wie der französische Philosoph verwendet er u.a. das Oval als strukturelles und ästhetisches Leitmotiv.
Das zweite Video von Göz in dieser Ausstellung „Waiting“ hat er in diesem Jahr vollendet. Auch in dieser Arbeit ist eine Frau der Gegenstand seines Interesses. Eine weibliche Gestalt wird in ihrer Wohnung gezeigt, wo sie arbeitet, lebt sie und wartet. Virtualität und Phantasie spielen in diesem Video eine ebenso wichtige Rolle wie in dem Video „Simone“. Hier wie dort wirkt die Frauengestalt entrückt und durchsichtig, fern und nah zugleich. Die Umstände und Situationen, aus denen die Figuren hervorgehen, werden nur angedeutet. In Göz’ aggressiver, holzschnittartiger Technik erscheinen männliche Gestalten häufig in Gruppen und bei militärischen Übungen. Durch die beziehungsreichen, absurden Situationen werden das alltägliche Leben, zusammen mit der aus der Phantasie geborenen Frau und das undurchschaubare Handeln der Männer in einen spannungsvollen Zusammenhang gebracht. Wer wartet wo auf wen? 

Matthias Schamp (*1964, lebt und arbeitet in Essen und Bochum)
Ich als weißer Querbalken eines Einfahrt-Verboten-Schildes
Verkehrszeichen-Performance, Video 54’’, 2006
Matthias Schamp zeigt im Rahmen des Transfer Türkei-NRW 2005-2007 in Münster die Video-Dokumentation einer Verkehrszeichen-Performance: „Ich als weißer Querbalken eines Einfahrt-Verboten-Schildes“. Die auf dem Video dokumentierte Aktion ist in Bochum entstanden. Direkt am Hauptbahnhof an der Kreuzung Kurt-Schumacher-Platz, Massenbergstraße hat sich der in Bochum und Essen lebende Künstler in einem weißen Anzug auf eine überdimensional große rote runde Scheibe binden lassen. Das Video zeigt das Aufrichten und Niederlegen des menschlichen Sackgassenschildes, das links und rechts von jeweils einem kleineren üblichen Einfahrt-Verboten-Schild flankiert ist. 
Das Video zeigt eine scheinbar normale Verkehrssituation: Autos fahren über die verkehrsreiche Kreuzung, Personen überqueren scheinbar unbeeindruckt von der Aktion die Straße. Vergeblich versucht der Betrachter, die durch die Performance aufgestellten Verkehrsregeln zu verstehen. Doch er sieht immer wieder nur, was er sieht. 
Einfahrt-Verboten-Schilder stehen zumeist am Ende einer Einbahnstraße. Sie regeln die Richtung des Verkehrsflusses und fordern zu Umwegen auf. Die Aktion von Matthias Schamp lenkt die Rationalität des Zeichens um: Der Künstler selbst macht sich zum irritierenden Hinweisgeber innerhalb eines interkulturellen Verstehens-Prozesses. 

Heike Weber (*1962, lebt und arbeitet in Köln)
Läufer, Teppichbelag im Durchgang der Ausstellungshalle, 2007
Heike Weber hat in dem zwei Meter breiten Verbindungsgang der Ausstellungshalle die Bodeninstallation „Läufer“ ausgelegt: ein weißer Teppichboden in Form von Schlieren und Schleifen, ornamental, aber nicht orientalisch. Während ihres Aufenthalts in der Türkei hat die in Köln lebende Künstlerin einen Bodenbelag aus Silikon hergestellt. Heike Weber arbeitet häufig mit Silikonfäden, die sie auf zweidimensionale Oberflächen verteilt, auf Böden und Wände, um damit dreidimensionale Phänomene wie fliegende Frauen, schwebende Astronauten oder Schwimmer einzufangen. Sich in der Türkei für Orientteppiche zu interessieren, scheint naheliegend. Doch Weg zur Bodeninstallation in Münster musste einige Transfers überstehen. Zunächst einmal war die Silikonzeichnung nicht wirklich transportfähig, denn zwischen den Fäden klafften Lücken und Zwischenräume, die sich jedoch bald auch metaphorisch aufgeladen hatten und Fragen stellten: Was verstehen wir eigentlich von der anderen Kultur? Welche Funktionen haben ästhetische Vorurteile? Was sparen wir bei der Wahrnehmung der Türkei am liebsten aus?
Heike Weber hat diese Verständnislücken, die die Wahrnehmung reduzieren, die Einbildungskraft und Phantasie aber beflügeln, wiederum übersetzt: in ein amorphes Teppichgebilde, das weder mit dem Orientteppich traditioneller Prägung, noch mit dem rustikalen Wohnzimmerteppich deutscher Prägung etwas gemeinsam haben, außer dem textilen Basismaterial.  

Tatjana Doll (*1970, lebt in Berlin)	
Straßenmobiliar / Urban Furniture, Lack auf Leinwand, 2006
Straßenmobiliar / Urban Furniture, Acryl auf Leinwand, 2006
Straßenmobiliar / Urban Furniture, Lack auf Leinwand, 2006
Tatjana Doll hat sich im Transfer der Kulturen auf die Suche nach Gemeinsamkeiten gemacht. Urban Furniture (dt. „Straßenmobilar“) versteht jeder, der sich mit PKWs durch die Welt bewegt, sie sind kulturübergreifend und einfach zu verstehen. Benzinpreise, mit Acryfarbe auf Leinwand geschrieben, auch die ein Gesprächsthema, mit dem fast jeder was anfangen kann. Mal pink auf weiss, mal weiß auf rot, mal weiß auf grün mit blauem Rand. Fünf Treibstoffe, zum Verwechseln ähnlich und doch nicht identisch: also ein Sammelobjekt.
Tatjana Doll inszeniert visuelle Ereignisse und hält sie mit einer flüchtigen, gestischen Handschrift fest. Wie Tagebuchnotizen vermerkt sie die Stationen ihrer mobilen Umtriebigkeit. Die Wegmarken sind alltäglich und einfach, ebenso die Art ihrer Inszenierungen. So auch hier in der AZKM: Das Straßenmobiliar lehnt lapidar an der Wand, damit es ebenso schnell wieder eingepackt werden kann, wie es aufgestellt wurde. Doch die Flüchtigkeit ist nur die eine Seite der künstlerischen Arbeit der derzeit in Berlin lebenden Künstlerin. Andererseits scheint sich Tatjana Doll der Vertiefung und Systematisierung des Sichtbaren zu widmen. Mit einer akribischen, fast enzyklopädischen Sammelleidenschaft arbeitet sie in eine virtuelle Wunderkammer hinein, deren Kategorien wie sie selbst ständig in Bewegung sind. 

Anja Jensen (*1966, lebt in Münster und Hamburg)
Hiddenbrook, Video, 2’46’’, 2006
Sicherheit, Überwachung, Kontrolle – das sind die Themen, mit denen sich Anja Jensen beschäftigt. In den für ihre Fotos oder Videos inszenierten Situationen stößt sie immer wieder auf die Frage nach dem Sinn von Sicherheit und Kontrolle: Wer braucht diese oder jene Sicherheit? Und wozu? Wer kontrolliert die Kontrolleure? Das Video „Hiddenbrook“ ist in Weiterführung einer Rauminstallation entstanden, die Anja Jensen im Rahmen des Wiesbadener Kunstsommer 2006 gezeigt hat. Inmitten eines 120 Quadratmeter großen, durch eine 1,65 Meter hohe, rotbraune Mauer abgesperrten Geländes, befindet  sich die Fassade einer scheinbar perfekt abgesicherten Luxusvilla. „Hiddenbrook“. Dieser künstliche Sperrbezirk ist die nächtliche Kulisse einer sonderbaren Umtopfaktion, vollzogen von einer Frau, die auf der Bildfläche erscheint, sie auf der Mauer umkreist, in den Sperrbezirk steigt und wieder verschwindet. Zeuge dieser Handlungsfolge ist ein heranwachsendes Mädchen, das das Szenario gelassen beobachtet. Aber versteht es, was hier passiert? Es schläft, beobachtet und schläft weiter, als wäre alles nur ein Traum gewesen. Der Scheinwerfer bringt Licht und Dunkelheit in das Geschehen und lässt die Akteurin in seinem Schutz in die Nacht entschwinden. 

Eva-Maria Kollischan (*1966, lebt und arbeitet in Köln)
Ohne Titel, Videoinstallation, 2006/ 2007
Die Video-Installation von Eva Maria Kollischan in der AZKM ist von hinten und von vorne zu betrachten. Es zeigt Alltagszenen aus einer türkischen Großstadt: z.B. wie eine Frau mit Kopftuch eine SMS schreibt, während ein kleiner Junge (vielleicht ihr Sohn) aus Langeweile eine Visitenkarte zerreist, bis ein Mann auftaucht und sich die Szene auflöst. Oder einen atmenden, schlafenden Hund, vielleicht auch anderes Tier unter einer Bank? Oder auch Hände von Menschen, von denen wir nichts erfahren, außer dass sie mit einem Ring spielen, eine Zigarette halten oder sich einfach nur selbst berühren. Gesichter verschwimmen oder verschwinden hinter Schleiern oder werden von der Künstlerin selbst unkenntlich gemacht. Eindrücke erscheinen und verschwinden, werden als Versatzstücke gespeichert und sind als solche wieder erinnerbar. Aber was wissen wir eigentlich von den türkischen Frauen? Warum glauben wir, dass es ungewöhnlich ist, sie mit Handy auf dem Markt zu beobachten? Wie funktioniert das Verstehen einer fremden Kultur? Vielleicht so wie die Künstlerin selbst die Treppen der türkischen Stadt beschreibt: „Die Treppen sind nicht so gebaut wie anderswo. Anderswo würde man ein Norm-Maß für Treppen einsetzen. Nicht so hier. Hier ist jede Treppe anders. Sie sind der Steigerung der Hügel und Breite der Wege angepasst. Sie sind schief und krumm und keine einzige der Stufen hat eine rechteckige Grundfläche. Es entsteht der Eindruck, die Treppen wären nach einem Lustprinzip gebaut worden. Je nach der Laune der Maurer an diesem Tag wurden sie mehr oder weniger gleichmäßig, rau oder glatt, breit oder schmal, höher oder flacher, kleiner oder größer.“

Stefan Mörsch (*1974, lebt und arbeitet in Hamburg)
DVD-Verkauf, Nachgebildetes Architekturmodell, 2007
Ohne Titel, 45 Zeichnung, Graphit auf Papier, 2005-2007
Stefan Mörsch schafft mit seinen Arbeiten narrative Situationen, in die der Betrachter mit Tatsachenwissen oder auch mit romantischen Klischees einsteigen kann. In den filmisch wirkenden Zeichnungen „Ohne Titel“ simuliert er Ausblicke auf die Landschaft, wie sich dem Autofahrer während der Fahrt zeigen. Keine Person ist sichtbar, die Landschaften verschwimmen an den Rändern der Wahrnehmung, unterschiedliche Lichtverhältnisse und Geschwindigkeiten, Brücken, Tunnel, Bergstraßen und Hochspannungsleitungen. Bilder einer romantischen Sehnsucht nach Freiheit, wie man sie auch aus der Automobil-Werbung kennt. 
Das nachgebildete Architekturmodell „DVD-Verkauf“ in dem großen Ausstellungsraum der AZKM zeigt ein verfallendes Hinterhofgebäude mit „unklarer Nutzung“, das es in Istanbul tatsächlich gibt. Der Titel legt nahe, dass hier möglicherweise mit illegaler Ware gehandelt wird. Während seines Aufenthalts in der Türkei hat sich Stefan Mörsch mit verfallenen Gebäuden beschäftigt, wie sie auf der historischen Halbinsel der Stadt zu finden sind. Als Zeugnisse einer historischen, romantischen, orientalischen Vergangenheit werden diese Häuser heute von Touristen aufgesucht. Tatsächlich stammen sie jedoch aus dem 19. Jahrhundert. Ihre Entstehung geht auf eine aus den USA importierte Fertigbauweise zurück. Dieser kulturgeografische Anachronismus, der sich mit dem düsteren Zustand der Häuser vermengt, vermittelt eine besondere Atmosphäre. Der Tourist, auf der Suche nach Authentizität, trifft unvermutet auf historische Versatzstücke, die er eher dem westlichen Europa zugeschlagen hätte. Auch dies eine Erfahrung, die dazu beiträgt, die Türkei und das Bild, das wir von ihr haben, zu verstehen. 

Max Suedhues (*1977 in Münster, lebt in Gent)
Luna Park, Video, 2007
Carousel, Installation mit Diaprojektion, 2006
Max Suedhues beschäftigt sich mit Collagetechniken, in denen er Video-, Dia- und Lichtprojektionen mit Alltags-Objekten in raumbezogenen Installationen zusammenführt. Das Video „Luna Park“ (in Anspielung an den Roman „Lunar Park“ von Bret Easton) zeigt einen stillgelegten Vergnügungspark in Istanbul. Aus einer Ventilatorabdeckung, einem Plastikbecher und verschiedenen Spielzeugtieren (Pferd, Elefant, Vogel, Schaf) hat Suedhues eine Art Kinderkarussel zusammengebaut. Das „Carousel“ läuft rückwärts, eiert etwas und würde jeden abwerfen, der es besteigt. Es ist als bewegtes Raumobjekt Gegenstand einer Diaprojektion und simuliert die filmische Bilderzeugung. Die Kameraführung im Video und das Schattenbild der Projektion scheinen manchmal aufeinander abgestimmt zu sein: Mal überbietet das Großbild-Video die Geschwindigkeit der kleineren Diaprojektor-Installation auf dem Boden der AZKM, mal nimmt es sogar inhaltlich Bezug, etwa wenn die Kamera das überlebensgroße Pferd, das Wahrzeichen des stillgelegten Luna Parks, heranzoomt, umkreist und erkundet.  Die poetische Video-Collage arbeitet dabei bewusst mit Dimensionsveränderungen und Verfremdungen, die die Szenerie in ein romantisches, melancholisches Licht taucht, als ob das Karussell soeben seine letzte Fahrt aufgenommen hätte. 
Durch die visuelle Offenlegung der Bildinszenierung gelingt es Max Suedhues, die ineinander greifenden Scheinwelten zu entzaubern und Fragen zu stellen, die sich direkt auf die Wirklichkeit beziehen: Warum werden Vergnügungsparks geschlossen? Gibt es nur finanzielle oder auch kulturpolitische Gründe? Oder ist die Illusion von der schönen, bunten, großen weiten Welt selbst ein Auslaufmodell? Hat sich das Luna Park-Modell als Vorzeigemodell mechanisch-technischer Neuerungen selbst überholt? Ist das überall auf der Welt so? 
Texte: Dr. Gail B. Kirkpatrick/ Verena Voigt

Zur Ausstellung ist ein Katalog-Journal erschienen. Es dokumentiert das Kooperationsprojekt in Aachen, Bochum, Münster und Istanbul.