PRESSEMITTEILUNG

Localhost - Internationale Künstler in/aus NRW
Ausstellungshalle zeitgenössische Kunst Münster

4. Juni – 18. September 2011
geöffnet Di.–Fr. 14–19 Uhr und Sa./So. 12–18 Uhr

Speicher II · 5. Etage · Hafenweg 28 · 48155 Münster
Telefon 02 51 / 4 92 41 91 (Kulturamt) und 6 74 46 75 (während der Öffnungszeiten)
www.muenster.de/stadt/ausstellungshalle

Kuratiert von Jari Ortwig, Arne Reimann und Joanne Dijkman

Veranstaltungen im Rahmen der Ausstellung:
Freitag, 3. Juni, zur Eröffnung: Wurst Local Performance von Jay Batlle (eingeladen von Rita McBride)
Dienstag, 7. Juni, 19 Uhr: Letters to the Pacific – Lesung/Screening von Aaron Peck, Dominic Osterried und Adam Harrison
Freitag, 8. Juli, 19 Uhr: Discoteca Flaming Star: Once Again: With All Our Love For The Love Of Orlando – Featuring: Com Viet (Video) von Anita Di Bianco und Performance von Sofia Lomba (eingeladen von Rita McBride)

Führungen: jeden 1. und 3. Samstag im Monat, 15–16 Uhr
Kunstgespräche – Let’s talk about art: jeden Sonntag, 16–18 Uhr

Die Ausstellung wird gefördert vom Ministerium für Familie, Kinder, Jugend, Kultur und Sport des Landes Nordrhein-Westfalen.
Die Ausstellungshalle wird unterstützt von dem Freundeskreis der Ausstellungshalle zeitgenössische Kunst Münster.

Die Ausstellungshalle zeitgenössische Kunst Münster ist eine Institution der Stadt Münster

Die Produktions- und Rezeptionsbedingungen von Kunst sind immer eng verbunden mit den Möglichkeiten der Kommunikation und werden durch diese beeinflusst. In der Gegenwart hat das Internet zu einer Globalisierung von Ideen, Meinungen und Haltungen geführt, die in verzweigten, beständig wachsenden Netzwerken zirkulieren. Die virtuelle Welt markiert das Versprechen auf die totale Verfügbarkeit der in ihr enthaltenen Daten. Sind die technischen Voraussetzungen gegeben, ist der Zugriff jederzeit und allerorts möglich. Allein das Selbstverständnis zählt – und das ist international. Mit Blick auf die zeitgenössische Kunst fällt auf, dass trotz der zunehmenden Virtualisierung von Kommunikation und Wahrnehmung, die Produktion selbst nach wie vor eines konkreten Ortes bedarf. Ein Indiz liefert das Herausbilden und Wachsen sogenannter Kunstmetropolen, die weltweit Künstler anziehen. Zumeist handelt es sich um Orte, deren Geschichte von entscheidenden sozialen, politischen aber auch ökonomischen Entwicklungen wie Umbrüchen geprägt ist – Orte, die ebenso widerständig sein können wie sie Schonräume zur kulturellen Entwicklung anbieten – kurzum, Orte, die das Spektrum eines zeitgenössischen Kunst- und Kultursystems aus Produktion, Vermittlung und Vermarktung einzigartig in sich zu vereinen wissen.
An diesen Orten scheint die Vision einer zusammengewachsenen Welt verwirklicht. Nicht zuletzt wecken solche „globalisierte Inseln“ inmitten staatlicher Territorien (kultur-)politische Begehrlichkeiten – absurder Weise häufig verbunden mit der Absicht, die „Internationalität“ der Kunst national zu vereinnahmen.
Aber wird das allgemeine Phänomen auf den individuellen Lebensentwurf von Künstlerinnen und Künstlern hinuntergebrochen, lauern hinter der Kulisse allseits vorgetragener Internationalität weitaus subtilere Fragen, etwa nach der Bedeutung der je eigenen Herkunft im Wechselspiel von Ort und künstlerischer Produktion, nach der Relation von globalem Denken bzw. Wahrnehmen und lokalem Arbeiten. Liegt hier gar ein ganz eigenständiges Potential, das sich identitätsstiftend auf beide auszuwirken vermag: auf den Ort der Produktion und auf die Produzenten selbst?

Mit der Ausstellung localhost widmet sich die AZKM nun Nordrhein-Westfalen als Kunstmetropole. Eingeladen sind zwölf Künstlerinnen und Künstler aus unterschiedlichen Teilen der Welt, die entweder seit Jahren eng mit NRW verhaftet sind oder sich hier erst vor kurzem niedergelassen haben. Die Teilnehmer verbindet, dass ihre mentale „Heimat“ losgelöst ist von dem aktuellen Standort, wohingegen ihre Werkprozesse etwa in Köln, Düsseldorf oder Münster angesiedelt sind – ein Phänomen, das der Ausstellungstitel symbolisch einfängt. Umschreibt der Fachbegriff „Localhost“ doch gemäß der Logik des Internet die Identifizierung eines individuellen Benutzersystems, ohne es aber geographisch festzulegen.
Neben der Auseinandersetzung mit der eigenen Identität nehmen die Ausstellungsbeiträge politische, ethische und ästhetische Fragestellungen auf, die zwar innerhalb der jeweiligen Kulturen der eingeladenen Künstlerinnen und Künstler eine Rolle spielen, aber in Nordrhein-Westfalen erdacht, entwickelt und gezeigt werden. Dabei entsteht eine spannungsvolle Gemengelage von innerem und äußerem Blick, die sich entscheidend auf das Verständnis kultureller Identität auswirkt. So veranschaulicht die Ausstellung, dass kulturelle Identität in diesem Zusammenhang nicht länger als Konstante räumlich eingrenzbar und verhandelbar ist. Vielmehr wird in der AZKM ein Identitätsbegriff erlebbar, der sich als Passage begreift für wechselhafte Prozesse, deren Dynamik von den künstlerischen Arbeiten ebenso geprägt wie verbildlicht wird.

Jan Albers (*1971 in Wuppertal, lebt in Düsseldorf)
RaytightPainlight; 2011; Stahlrohr, verkupfert, vernickelt und feuerverzinkt
redaicopperlight; 2011; Acryl, Kupfer, Badges, pulverbeschichtete Rohre auf Papier
yOu; 2011; Acryl und Badges auf Papier
tightlightOrcOpperpainpanpipe; 2010; Stahlrohr verkupfert
Raytight; 2010; Stahlrohr feuerverzinkt, pulverbeschichtet und verkupfert
Courtesy VAN HORN, Düsseldorf
Auch wenn Jan Albers lediglich seine Kindheit bis zur Einschulung in Namibia verbrachte, hat die afrikanische Kultur seinen künstlerischen Ansatz dennoch geprägt. Nicht nur in Materialwahl, Motivik und der zum Teil camouflageartigen Farbpalette seiner Papierarbeiten zeigt sich eine ästhetische Verwandtschaft. Auch die Praxis eines exemplarischen, drastischen Zugriffs auf kulturelles Verfügungsgutes, das energetische Samplen der Elemente eines global verfügbaren Bild- und Symbolkanons, nicht zuletzt aus einem historisch fremd verschuldeten 'Mangel' eigener Kultur(-mach) erinnert an die Bedeutungsgenerierung afrikanischer Kultur – sozusagen die produktive Adaption und positive Umnutzung des westlichen 'Kulturmonopols'. Dass dabei den Arbeiten etwas technisch physikalisches anhaftet und sie bisweilen an Kalibrierungsschablonen denken lassen, macht sie zu Testbildern für die eigene Wahrnehmung in der Gemengelagen globaler Kulturaneignung. Heute lebt und arbeitet der Künstler in Düsseldorf, wo er an der Kunstakademie studierte

Rita McBride (*1960 in Des Moines, Iowa, lebt und arbeitet in Düsseldorf)
General Growth (Stage 1); 2009/2011; Tischlerplatte, Metallständerwerk, Rigips, Gewichthebergurte; Courtesy Rita McBride
Nach ihrem Master of Fine Arts in Kalifornien 1987 und einigen Aufenthalten in New York, Portugal, Madrid, Rom, Paris und Berlin war Rita McBride von 1999 bis 2000 Gastprofessorin an der Akademie der Bildenden Künste München und Professorin an der École nationale supérieure des beaux-arts de Paris. Seit 2003 ist sie Professorin für Bildhauerei an der Kunstakademie Düsseldorf. 
Rita McBride fasst den Begriff "Local host " wörtlich. Ihr Ausstellungsbeitrag General Growth (Stage 1), eine elliptisch in den Raum greifende Skulptur, die unter Verwendung von Accessoires des nordamerikanischen Fitnesskults Stützelemente der Hallenkonstruktion umspannt, wird zur Präsentationsbasis für die Arbeiten junger Künstler, die Rita McBride aus ihrem weltweiten Netzwerk hinzugeladen hat. So zeigt Jay Batlle eine gerahmte, mit Kunstharz fixierte Stoffserviette, die er in einem Nobelrestaurant erbeutet und als Bildträger für eine Tuschezeichnung nach Picasso umgenutzt hat: Ein kolorierter Akt, dessen Farbigkeit tatsächlich von den Spuren eines vorangegangenen Essens herrührt und der somit hintersinnig auf die Fragen von Konsum, Aneignung und 'Verdauung' sogenannter Hochkultur abhebt. Welch bizarre, aber auch sonderbar poetisch anrührende Sprachblüten der Transfer westlicher Werbeslogans für Fastfood bzw. Konsumobjekte in der 'parallelen Welt' afrikanischer Kultur hervorbringt, illustriert eine Diaprojektion mit Aufnahmen, die Jay Batlle auf seiner Reise durch Ghana gemacht hat. Um ein anverwandeltes Kulturzitat handelt es sich auch bei der Skulptur Waschbecken an Café Achteck von Alexej Koschkarows. Es ist das abgegossene Fragment der Wand eines sogenannten Café Achtecks, eines im historischen Berlin verbreiteten öffentlichen Pissoirs, das in Gestalt eines neoklassizistischen, oktogonalen Tempelchens eine allein von Männern aufgesuchte, gusseiserne Stadtmarke der Kaiserzeit war. Dass dabei Waschbecken und Wasserhahn in Form von Venusmuschel und Penis frei ergänzt sind, verweist weniger auf die fragliche Hygiene in solch antiquierten Bedürfnisanstalten, als dass es den mythischen Schöpfungsakt der Venus in das anrüchige Klima der Männerdomäne absurd verlagert. Hingegen basiert der Videoloop von Jen Liu auf einem Pornofilm der 1970er Jahre - die Nr. 101 der 101 bekanntesten 'Adult Movies', die wiederum den Bestseller "Naked came the Stranger" (1969) als Vorlage hatte. Ursprünglich gedacht als literarische Persiflage auf die Sinnentleertheit US-amerikanischer Kultur der späten 60er, nahm der Porno die sexuell aufgeladene Handlung des Romans wörtlich, in der ein Ehepaar sich öffentlich um sexuelle Aufklärung verdient machte, im Privaten aber sich gegenseitig hemmungslos betrog. Pastos in Mayonnaise gezeichnet animiert das Video eine kurze Sequenz des Films, den narzisstischen Tanz der Frau und den anschließenden Kuss zu dritt, untermalt von der Titelmelodie des nordamerikanischen Lebensmittelkonzerns Hellman's und dem Werbeslogan der Firma THOMY: "Mayonnaise von THOMY, Lust auf Überraschungen." Um das Phänomen missverständlicher Partnerschaft geht es auch in einer Performance am 8. Juli, in der ab 19 Uhr Discoteca Flaming Star mit Once Again: With All Our Love For The Love Of Orlando die Arbeit von Rita McBride als Projektionsfläche und dramaturgisches Gelenk nutzen wird.
Jay Batlle (*1976 in Syracuse, NY, lebt und arbeitet in Brooklyn, NY und Gers, Frankreich)
Everyday Is The Same Day (Napkin Stains); 2008; Tusche, Lebensmittelfarbe, Wein, Bleistift auf Stoffserviette in Kunstharz getränkt
Hah, I smell LIfe (Ghana SIgns); 2011; Digitale Diaprojektion, 174 Fotos, Loop, 34:49 Min.; Edition von 3
Courtesy Jay Batlle und Nyehaus, New York, 1000eventi Galleria, Mailand
Discoteca Flaming Star (gegründet 1998 von Cristina Gómez Barrio (*1973 in Madrid, Spanien) und Wolfgang Mayer (*1967 in Kempten, arbeitet in Berlin)
Alexej Koschkarow (*1972 in Minsk, Weißrussland, lebt und arbeitet in New York)
Waschbecken an Café Achteck; 2010/11; Kunststoff, Holz, Papier, Grafit; Privatsammlung
Jen Liu (*1976 in Smithtown, NY, lebt und arbeitet in New York und Wien)
Naked Mayonnaise The Stranger (Hellman’s Meets Thomy); 2011; Video, Farbe, Ton, 1:07 Min., Loop; Courtesy Jen Liu, Upstream Gallery, Amsterdam, und Ceri Hand Gallery, Liverpool

Marianna Christofides (*1980 in Nikosia, Zypern, lebt in Köln)
dies solis. Sonntage in Nikosia; Videoprojektion, Farbe, Ton, 56:33 Min.; © 2010 KHM / Marianna Christofides; Courtesy Marianna Christofides und Omikron Gallery, Nikosia, Zypern
Neben der Auseinandersetzung mit ihren eigenen zypriotischen Wurzeln beschäftigt sich die Künstlerin mit der Entstehung sowie der Geschichte ihrer Heimatstadt Nikosia und deren struktureller und sozialer Entwicklung. Hierbei bedient sie sich einer pseudo-wissenschaftlichen und gleichermaßen philosophischen Herangehensweise, etwa in Form von kartografischen Versuchsanordnungen, die sich durch vorangehende sensible Beobachtungen und Recherchen auszeichnen. Ihre Ergebnisse visualisiert sie mithilfe von Laterna Magica-Dias, Collagen, Landkarten, Zeichnungen und Videos, in denen die Grenzen von Vergangenheit und Gegenwart, Fiktion und Realität verschwimmen. Die in der AZKM gezeigte Videoarbeit nimmt im Format eines Dokumentarfilms das Freizeitleben südostasiatischer Gastarbeiterinnen in Nikosia in den Blick. Ein Jahr hat die Künstlerin in ihrer Geburtsstadt die Arbeitsimmigranten aus Indien, Sri-Lanka, Vietnam und den Philippinen an ihrem einzigen freien Tag in der Woche begleitet. Dabei handelt es sich um die sensible Beobachtung der Verlebendigung einer Kultur in einer anderen Kultur, die nicht nur den Prozess der Heimatfindung im fremden Alltag lebensnah einfängt, sondern darüber hinaus einen an sich verödeten Ort sonderbar neu belebt. Denn tatsächlich treffen sich die Frauen in einem politisch neuralgischen Raum, im Kern der Stadt und doch am Rande des städtischen Lebens - im Niemandsland zwischen zwei Grenzen, der venezianischen Stadtmauer und der UN-Pufferzone, die Stadt und Insel teilt. 

Danica Dakic´ (*1962 in Sarajevo, lebt in Düsseldorf)
Lokores; 2005; Videoprojektion, Farbe, Ton, Loop; Courtesy Danica Dakic´
Danica Dakic´ studierte an den Kunstakademien in Sarajevo und Belgrad und wechselte schließlich nach Düsseldorf, um bei Nam June Paik zu studieren. In der Ausstellung localhost präsentiert die Künstlerin die Videoarbeit Lokores aus dem Jahr 2005. Die Projektion zeigt eine verlassene Hausruine, ohne Dach, Fenster oder Türen, eine leere Hülle auf einer trockenen Rasenfläche, überstrahl von einem sommerlichen Himmel. Auch wenn das vorangegangene Geschehen letztlich unbekannt bleibt, scheint der Ort geradezu beseelt von schönen und von traurigen Geschichten, die durch die akustische wie visuelle Simulation des Atmens geradezu verlebendigt dem Betrachter spannungsvoll gegenübertreten, gleichwohl sie letztlich allein in dessen Imagination siedeln.

Owen Gump (*1980 in Kentfield, Kalifornien, lebt in Köln)
Makaha; 2011; C-Print
Lineup; 2011; SW-Fotografie auf Barytpapier
Understory; 2011; C-Print
Compass Rose; 2011; SW-Fotografie auf Barytpapier
Cosmos; 2010; Siebdruck auf Karton
Lo’ulu; 2010; Offsetdruck auf Papier
Ghost Rider; 2010; Offsetdruck auf Papier
Landfall; 2010; SW-Fotografie auf Barytpapier
Lost Coast; 2010; Offsetdruck auf Papier
In situ; 2010; C-Print
Courtesy BQ Berlin
Owen Gump studierte in den Fotoklassen der Kunstakademien in Düsseldorf und in Leipzig. Er arbeitet heute in Köln und in den USA. Mit der Kombination von C-Prints und Schwarz-Weiß-Fotografien, Offset- und Siebdrucken wecken Gumps Arbeiten in der Ausstellung Assoziationen an ein pazifisches Paradies – eine Robinsonade US amerikanischer Kultur, deren inhaltlichen Bausteine keiner festen Dramaturgie unterliegen, sondern sich wie in einer Gedankenwolke zu immer neuen Erzählungen organisieren können. Im freien Spiel mit Sehnsüchten, Vorstellungen aber auch mit Erwartungshaltungen und Sehkonventionen unterlaufen die Abbildungen das vermeintlich dokumentarische Wesen der Fotografie. Kann sich die vorgetragene Südseeromantik doch auch als Kulisse eines Kölner Garagenhofes oder eines botanischen Gartens entpuppen. Und wer genau schaut, mag anhand der zentralen Inselweltkarte die wenig rühmliche Vergangenheit amerikanischer Luftstützpunkte im zweiten Weltkrieg und französischer Atomtests zur Hochzeit des Kalten Krieges erinnern. Was bleibt, ist ein unlösbarer Zweispalt, zwischen der Unschuld des Bildes und dessen Aufladung durch den menschlichen Gestaltungs- wie Deutungswillen, die beides gleichermaßen gefangen nehmen: den Blick und die Gedanken.

Thea Gvetadze (*1971 in Riga, Lettland, lebt in Köln und Berlin)
Malanchamala; 2006; Mischtechnik auf Leinwand; Courtesy Galerie Rupert Pfab, Düsseldorf
Nach ihrem Studium in Amsterdam und Düsseldorf markierte die Teilnahme an der Biennale in Venedig 2003 einen Punkt in Gvetadzes Werkentwicklung, an dem sie, wie die Künstlerin selbst sagt, zurück zu ihren georgischen Wurzeln fand. In ihren Gemälden und Zeichnungen verschränken sich intime Erlebnisse und Geschichten collageartig mit unterbewussten traumartigen Sequenzen zu intuitiven Bildwelten. Neben der komplexen inhaltlichen Ebene sind in den Arbeiten aber auch immer wieder der Gestus und die Materialität von integraler Bedeutung.

Adam Harrison (*1983 in Vancouver, Kanada, lebt in Düsseldorf)
Ceiling Reflections. Duration: 24 Minutes; 2011; 24 C-Prints, schwarze Wandfarbe; Courtesy Adam Harrison
2009 kam der junge Fotograf aus Vancouver nach Düsseldorf und begann hier sein Fotografiestudium an der Kunstakademie. Die für die Ausstellung in Münster entwickelte Arbeit Ceiling Reflections. Duration: 24 Minutes zeigt eine Serie von 24 Fotografien. Im Minutentakt hat der Künstler die Licht-/Schattenreflexion der Scheibe eines parkenden Autos in Ecke eines Zimmers fotografisch festgehalten. In Reihe gehängt und hinterlegt von einem schwarz aufgemalten Font im gedehnten CinemaScope-Format wird die technische Komplexität der filmischen Disziplin an die Natur des Sehens poetisch zurückgebunden und der Blick performativ verlangsamt für die Dauer des Schreitens entlang der Fotostrecke. 

Diango Hernández (*1970 in Sancti Spiritus, Kuba, lebt in Düsseldorf)
You are here; 2011; Installation, Mixed Media; Courtesy Alexander and Bonin, New York, und Michael Wiesehöfer, Köln
Die Objekte und Installationen des in Düsseldorf lebenden Kubaners stehen in engem Bezug zur politischen Lage seines Heimatlandes und der gescheiterten kollektiven Utopie des Kommunismus. In Münster zeigt Diango Hernández eine Installation aus neuen, installativ arrangierten Objekten, kombiniert mit karreeartig von der Hallendecke hängenden Bildern des kubanischen Künstlers Blanco Lopez. Arbeitete Blanco Lopez zunächst staatskonform im Sinne des sozialistischen Kunstdiktates, wechselten er in den frühen 1970er Jahren abrupt zur Darstellung futuristisch anmutender technischer Gebilde. Im Umsetzungsprozess der Gesellschaftsutopie vom Scheitern an der Realität eingeholt scheint auch Lopez wie so viele Künstler sozialistischer/kommunistischer Systeme, sich in die 'innere Immigration' zurückgezogen zu haben. Dabei brachte Kunst nicht nur immaterielle Sehnsuchtsorte hervor, sondern wurde zum überlebensnotwendigen Vehikel individueller Traumflucht: Ein imaginierter Eskapismus, den die technoiden Chimären von Diango Hernández als nahezu pseudowissenschaftliche Versuchsanordnung und in einer, der Formensprache von Blanco Lopez verwandten analog-mechanischen Ästhetik in den Ausstellungsraum objekthaft hinüberretten. Obgleich nachweislich ohne Funktion, sind sie fiktiv funktional aufgeladen. Es sind Stellvertreter für parallele Nutzungszusammenhänge -  Gedankenapparate, die über sich hinaus auf eine Welt verweisen, in der solche Kategorien wie Freiheit oder Befreiung allein der Phantasie ihrer Betrachter obliegen. 

Kiron Khosla (*1967 in Kalkutta, Indien, lebt in Köln)
Je n’arrive pas a comprendre; 2010; Öl auf Leinen
How’s your glass?; 2009; Öl auf Leinen
Courtesy Galerie Christian Nagel
Kiron Khosla hat indische und irische Wurzeln. Er studierte an der Central St. Martin’s School of Art and Design in London, lebte jahrelang in Malaysia und arbeitet heute in Köln. Seine gemalten Collagen, die oftmals weder einen Bildraum entstehen lassen noch eine Hauptansicht aufweisen, sind aus verschiedenen kulturellen Codes und Zitaten zusammengesetzt und erinnern entfernt an die süßliche Bildwelt indischer Illustration. Tatsächlich sind die Motive amerikanischen und europäischen Medien ebenso wie fernöstlicher und westlicher Kunst- bzw. Kulturgeschichte entlehnt, etwa japanische Landschaftsmalerei und Textilgestaltung – eine Gemengelage internationaler Bildproduktion, durchmischt von Karikaturen, Selbstporträts und Porträts aus dem unmittelbaren Umfeld des Künstlers. Und beruht diese Form der Weltaneignung und des Samplens letztlich allein auf malerische Fragestellungen, spekulieren die autonomen Arbeiten auf das im Prozess der Malerei begründete Versprechen der Transformation, vor dem die funktionsgebundenen Bildprodukte einer allgegenwärtigen Waren- und Werbewelt naturgemäß kapitulieren. 

Suchan Kinoshita (*1962 in Tokyo, Japan, lebt und arbeitet in Maastricht und Münster)
Aber auch dann liebt ein Fehler; 2011; Mixed Media; Courtesy Suchan Kinoshita
Die multimedialen Installationen der Japanerin bestehen zumeist aus poveren Materialen: Fund- wie Suchstücken, die interdisziplinär mit der Gedanken-, Sprach- und Bildwelt von Musik, Theater und bildender Kunst aufgeladen werden. Fern physikalischer Gesetzmäßigkeiten durchdringen sich parallele Bilder poetisch und vernachlässigte Wahrnehmungsfiguren wie Zögern, Innenhalten oder Kontemplation gewinnen an Bedeutung. Gegensatzpaare, etwa fein-grob, fragil-massiv oder offensichtlich-geheimnisvoll treten in ein subtil dialektisches Zusammenspiel von Objekten, Klängen und Raumempfinden, ohne aber sich je zu berühren. Vielmehr umkreisen sie ein Dazwischen - einen Zwischenraum, der für den Moment der Betrachtung sichtbar und damit erkundbar ist. Der Betrachter wird zum Performer seiner eigenen Wahrnehmung, in der es nicht länger um richtig oder falsch, sondern um den Prozess des individuellen Erlebens und den damit verbundenen Lustgewinn geht – vergleichbar dem Kinderspiel 'Stille Post', das sinnfällig den thematischen Ausgangspunkt des Ausstellungsbeitrages der Künstlerin markiert. Nach ihrem Studium an der Musikhochschule in Köln schrieb sich Suchan Kinoshita an der Jan van Eyck Akademie ein und lehrt heute an der Kunstakademie Münster.

Lorenzo Pompa (*1962 in Krefeld, lebt in Düsseldorf)
Der Restsüße Pflug; 2011; Styropor, Jute, Metall, Gips, Hartgips, Acryl, Tusche; Courtesy Lorenzo Pompa
Lorenzo Pompa wurde 1962 als Sohn einer deutschen Mutter und eines italienischen Vaters in Krefeld geboren. Er wuchs in Rom auf, wo er Innenarchitektur und Design studierte. 1992 zog er zurück nach Deutschland und studierte von 1997 bis 2003 an der Kunstakademie in Düsseldorf. Seine aus Gips gefertigten Arbeiten verhandeln klassische bildhauerische Fragestellungen: Amorphe und geometrische Formen, geschlossene und offene Strukturen, Schwere und Leichtigkeit, Figürliches und Abstraktes bilden spannungsvolle Gegensatzpaare.

Glen Rubsamen (*1959 in Los Angeles, lebt in Düsseldorf)
Transplant; 2011; Videoprojektion, Farbe, Ton, 5 Min., Loop
The hosts and their guests, the guests and their hosts; 2011; 2 Poster, Inkjet-Prints
Courtesy Glen Rubsamen
Nach seinem Kunststudium in Kalifornien lebt Glen Rubsamen heute in Düsseldorf und Rom. Sein Interesse gilt der Kulturgeschichte der Natur mit ihren zivilisatorischen Überformungen im Sinne einer so genannten „Post-Natur“. In seiner für die Ausstellung localhost enwickelten Videoarbeit untersucht der Künstler ein solches Phänomen im Staatsforst Burgholz im Bergischen Land. Im einzigen Arboretum für forstwissenschaftliche Studien in Deutschland werden hier Baumsorten aus allen Teilen der Erde kultiviert, unter anderem Gelb-Kiefern aus der kalifornischen Region. Das Video ist ergänzt um zwei Plakate, deren Farbduktus eine Verbindung zum  malerischen Werk des Künstlers herstellt. Ironisierend didaktisch bebildern sie das Entree zum Projektionsraum und verweisen auf das Maß der individuellen Perspektive: Hängt es denn letztlich nicht immer auch von ihr ab, wer Gast ('guest') und wer Gastgeber ('host') ist?